La foto que inició el boom. ¡Viva Cannes!

En 1938, ‘La Gran Ilusión’ de Jean Renoir era la favorita de los críticos, pero el jurado prefirió premiar aquel año a dos cintas: la alemana ‘Olympia’, película encargada ex profeso nadamás ni nadamenos que a Joseph Goebbels, y la italiana ‘Luciano Serra, Pilota’, película realizada bajo la supervisión del hijo de Il Duce. Los críticos y cineastas franceses fueron los primeros en protestar, le siguieron los norteamericanos y los ingleses. ‘La gran ilusión’ fue prohibida en Alemania, Goebbels la etiquetó como ‘El enemigo cinematográfico No.1’.

Ante la burla en la que se había convertido el festival, los cineastas y críticos de Francia acudieron a su gobierno para pedirle se instaurara un nuevo festival de cine, un festival donde se privilegiara la libertad, se erradicara la censura y que nunca estuviera manipulado por intereses políticos o de algún otro tipo. Es con ese espíritu, mismo que al día de hoy aún prevalece, que nace el Festival de Cine de Cannes.

La elección de la ciudad de Cannes como sede del festival podría sonar extraña. No se trataba de una ciudad grande, no es una ciudad capital, ni siquiera está cerca de París, lugar que vio nacer al cine. La decisión cae estrictamente en lo pragmático. Dos eran las ciudades propuestas para ser sede del festival: Biarritz en el Atlántico y Cannes en el Mediterráneo. Y aunque el clima soleado de Cannes fue una de las razones por las cuales ganó la elección, se tomó la decisión definitiva cuando la ciudad de Cannes prometió al comité organizador construir toda una infraestructura de hoteles, auditorios, cines y demás, dedicados al festival.

El Festival de Cine de Cannes estaba programado para iniciar el primero de septiembre de 1939. Pero un pequeño imprevisto provocó la cancelación del evento: el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Una guerra de tales proporciones podría haber sido motivo suficiente como para que algo ‘tan poco importante’ como un festival de cine se relegara a los proyectos que nunca verían la luz. Pero los franceses estaban orgullosos del invento de Auguste y Louis Lumière, el cine es parte de su identidad como país. Así, a pesar de la guerra, la idea siguió viva y el 20 de septiembre de 1946, en el viejo casino de la ciudad – la prometida infraestructura aún no estaba terminada- el propio Louis Lumière, a sus 82 años de edad, inauguraba el festival como jurado presidente.

¿Qué películas se exhibieron en aquel entonces?, entre otras: "Lost Weekend" de Billy Wilder, "Brief Encounter" de David Lean, "Rome Open City" de Roberto Rossellini, "Gaslight" de George Cukor, "Make Mine Music" de Walt Disney, "Notorious" de Alfred Hitchcock's, "Beauty and the Beast" de Jean Cocteau, así como películas de Charles Laughton, Howard Hawks y Cecil B. De Mille.

Aunque fue considerado un éxito, evidentemente hubo problemas. El primero fue que el festival no era competitivo, más que un festival, era un foro donde los países podían mostrar sus cintas. Los organizadores pecaban de diplomáticos intentando que prácticamente todo mundo se llevara algún premio. El dinero fue el otro gran problema del festival, al grado que se tuvo que suspender dos veces, en 1948 y en 1950 por problemas de presupuesto. La buena noticia fue que justo en 1949, la ciudad al fin había cumplido su promesa y el mítico Palais Croisette vio la luz.

Aún con la crisis, algunas películas importantes (casi míticas) presentadas por aquellos años fueron: "A Place in the Sun" de George Stevens, "I Confess" de Alfred Hitchcock's, la adaptación a cine de "Otelo" de Orson Welles, "The Sun Shines Bright" de John Ford, y un triple play de Luis Buñel: "Subida al Cielo", “El” y "Los Olividados".

Dos hechos fueron fundamentales para posicionar al Festival de Cine de Cannes como el ‘Rey de los Festivales’ de cine. Primero, su cambio de fecha. Como originalmente se celebraba a fin de año, los festivales de Venecia y Berlín acaparaban las premieres y los estrenos del año. Fue por ello que se decidió mover la fecha del festival a primavera y así acaparar más películas. Cannes se convertiría en el escaparate obvio de los estrenos mundiales más importantes.

El segundo hecho que posicionó al Festival de Cannes como uno de los más importantes fue…: ¡el sexo!, o más concretamente, los pechos desnudos de una increíble y voluptuosa mujer. En 1954, durante una sesión de fotos para el actor Robert Mitchum, una aspirante a actriz llamada Simone Sylvia se puso a lado suyo posando, de repente, la osada mujer dejó salir sus pechos al aire. Sorprendido, Mitchum no supo qué hacer y se quedó ahí, a lado de la chica que ya cubría sus grandes senos con las manos. Los fotógrafos enloquecieron, la leyenda cuenta de dos heridos, uno por fractura en la mano y otro en la pierna, ambas producto de los empujones entre los demás fotógrafos que intentaban tener la mejor toma. Las fotos (una de ellas es la que ilustra este blog) le dieron la vuelta al orbe. El mundo entero se enteró de lo bien que se la pasaba la gente en el Festival de Cannes. Si bien el glamour ya existía, este se transformó, los fotógrafos buscaban más fotos como las de Simone, las actrices posaban en la playa, los bikinis adornaron el festival.

Todos querían ir a Cannes. El festival se convirtió entonces en un evento para turistas y socialités, que estaban más interesados en las lujosas fiestas que se organizaban y no en ver cine (como que me acordé de la prensa de cine de algún país… en fin). No obstante, los organizadores no permitieron que al evento se lo comiera la fiesta. Nunca descuidaron la calidad de las cintas. El festival fue creciendo convirtiéndose además en un foro para que las diversas ramas de la industria se reunieran, conversaran, negociaran y de ahí, surgieran nuevos proyectos.

En la década de los 60’s el festival comienza a crecer. Se nombra a las primeras mujeres en el jurado: Olivia Havilland y Sophia Loren. Leyendas como Fellini, Buñuel, Welles, Bergman o Hitchcock, eran ya consideradas como ‘de la casa’. Es por ello que los organizadores se dieron cuenta que a los nuevos realizadores les era muy difícil entrar al festival. Así se creó la primera sección paralela al festival: ‘La Semana Internacional de la Crítica’, misma que se enfocaría a presentar exclusivamente las operas primas de los nuevos realizadores.

Las décadas posteriores fueron los de la consolidación de Cannes como evento fílmico esencial. Los años setenta fueron los de la invasión norteamericana, directores como Robert Altman, Scorsese, Coppola, e incluso Spielberg llegaron a Cannes. El crecimiento fue de tal magnitud que se hizo necesario en los años ochenta construir otra sede alterna al Palais Croisette, justamente en el viejo casino de invierno donde la historia de Cannes habría comenzado.

¿Por qué sigue siendo importante el festival de Cannes? Probablemente es una suma de circunstancias. Cannes ha sabido, con el paso del tiempo, conjuntar el glamour, la fama, las luminarias (incluso el sexo), en un juego de pistas donde a pesar de todo el cine sigue siendo la atracción principal. El espirítu de Cannes sigue siendo de apertura a todas la corrientes cinematográficas (como la naciente era de la animación por computadora), a todos los estilos, de todos los países. Esta última es sin duda, la característica principal por la que este festival sigue siendo el Rey. Todos queremos ir a Cannes.

Retrospectiva Fotográfica de Cannes.
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Poco iluminados.
Angels & Demons. (Ángeles y Demonios)
Dir. Ron Howard

No puede resultarme sino fascinante un director como Ron Howard. ¿Cómo es posible que la misma persona que dirigió una cinta tan excepcional y obligada como “Frost/Nixon”, sea el mismo director de este pastiche llamado “Ángeles y Demonios”?, ¿Cómo hace un director para ser tan preciso, sobrio e interesante en un momento, y luego volverse tan fácil y chabacano al instante siguiente? El poder del dinero, supongo...

‘Ángeles y Demonios’, más que la secuela de la muy popular ‘El código Da Vinci’ –ambas escritas evidentemente por Dan Brown- esta se trata de una suerte de ’the next day’, o lo que es lo mismo un “¿y qué pasó entonces?”. Tom Hanks repite en su papel del inteligentísimo experto en simbología Robert Langdon, quien ahora es buscado por el Vaticano para encomendarle una misión especial. El papa a muerto, el cónclave para designar un sucesor está en curso, pero cuatro cardenales han sido secuestrados, justamente aquellos que son los favoritos para suceder al fallecido papa. Se sospecha de los ‘Illuminati’, miembros de la mítica sociedad secreta creada en 1776 y cuyos miembros fueron perseguidos y eliminados (según la película, conste) por la iglesia católica toda vez que estos ‘Illuminati’ resultaban ser gente de ciencia que en varias ocasiones pusieron en entredicho a las creencias de la iglesia católica.

El posible secuestrador ha dejado una serie de pistas, y es por ello que la iglesia recurre a Langdon –a pesar de la mala relación con él, dados los hechos de la película pasada- para descifrar los códigos, encontrar al secuestrador y salvar el cónclave. La situación empeora cuando sabemos que los ‘Illuminati’ tienen en su poder una bomba (palabras más, palabras menos) que detonará y podría destruir al estado Vaticano.

Esta película se asemeja más a ese famoso juego de mesa que en inglés se llama ‘Clue’, y que aquí conocimos como “¿Adivina quién?”. Los protagonistas, Langdon y otra chica que nunca me quedó claro de donde salió pero está guapa (Ayelet Zurer), se la pasan toda la cinta corriendo de un lado a otro, tratando de descifrar las claves, jugando al gato y al ratón con los malos. Esos ‘Illuminati’ al parecer tienen pasión por la ciencia, pero también por los juegos: ¿cómo se explica que una sociedad que secuestra cardenales en plena plaza de San Pedro sea tan tonta como para ir dejando claves de su paradero?, es como si los ‘Illuminati’ retaran a la iglesia al mejor estilo de “¿a que no me atrapas?”

Cómo nunca queda claro por qué carambas los Illuminati son tan idiotas como para andar dejando rastros de su malévolo plan, todo lo que sucede en la película termina siendo francamente inverosímil. Las escenas de acción –que son varias- están bien filmadas, y hasta por momentos resultan emocionantes. Pero nada de ello levanta a esta cinta que pareciera se quiere asemejar a cualquiera de Indiana Jones, pero con Tom Hanks y sin látigos. En vez de ello hay muchos curas, eso si. Particularmente interesante resulta el joven Camerlengo (Ewan McGregor, que no se molesta siquiera en actuar tantito), personaje que en la jerarquía católica se convierte, a la muerte del papa, en la cabeza visible del Vaticano, siendo él quien certifica la muerte del santo padre, destruye su “Anillo de Pescador” y organiza el cónclave. En este caso, el Camerlengo no sólo es bueno para eso, sino que además también tiene habilidades de combate, como por ejemplo, saber pilotear un helicóptero o usar un paracaídas, además de ser muy guapo, claro.

Sin historia, sin actuaciones, con poca emoción, a esta película solo se le pueden rescatar ciertos diálogos que hablan del eterno conflicto entre ciencia y religión, la fotografía, y por supuesto la música, que corre a cargo de Hans Zimmer. Los productores hubieran querido agregar a esta lista de atractivos ingredientes algo de polémica religiosa (ya sabe usted que el enojo de la iglesia vende boletos, remember El Padre Amaro). Y aunque al principio la iglesia católica le negó la entrada a locaciones en el Vaticano, supuestamente por el contenido de la película, la tan buscada polémica se esfumó cuando el Osservatore Romano calificó a la película como “entretenimiento inofensivo”. Nadie lo podría haber dicho mejor.

Naturaleza pasteurizada.
Earth. (La Tierra)
Dir. Alastair Fothergill y Mark Linfield

Casi con dos años de retraso, llega finalmente Earth (La Tierra), documental dirigido por los británicos Alastair Fothergill y Mark Linfield, siendo este último el responsable de la serie de televisión del mismo nombre que se hiciera famosa en la televisión británica.

La diferencia aquí es que ahora trabajan bajo el sello Disney Nature, nueva filial de la compañía del ratón Miguelito que sigue en su búsqueda incansable por atraer al público infantil mediante proyectos que distan mucho de lo que solían saber hacer mejor –cine de animación convencional- , pero que si son más rentables.

En esta ocasión, los también directores del documental ‘Deep Blue’, llevan sus cámaras en un viaje imposible por toda la tierra para ser testigos de la vida en diferentes regiones del planeta, sus procesos de sobrevivencia y los cambios climáticos que despiertan el instinto animal en las diferentes especies. Así, veremos el recorrido de una familia de osos polares y su dura batalla por encontrar comida y sortear el deshielo; el difícil recorrido de una ballena jorobada quien junto con su crío emigran a causa de la temporada pero que se pierden por culpa del calentamiento de los mares; y finalmente, la historia de un par de elefantes –madre e hijo- que cruzan el desierto africano en su búsqueda por agua y sustento. La cinta se complementa con imágenes de patos, tigres leones y demás fauna salvaje de la cual comprobamos sus métodos de sobrevivencia, migración y por supuesto, de caza.

Filmada en un lapso de 5 años, con 200 locaciones en 200 países, resulta una cinta espectacular sin duda por lo claro y nítido de sus imágenes, tomadas con algunas de las más avanzadas cámaras de Alta Definición que en su momento existían. Lo osado de los directores (uno no puede sino preguntarse en toda la cinta: ¿Cómo filmaron eso?) y lo espectacular de sus imágenes son los ingredientes que hacen atractiva esta cinta, misma que vale mucho la pena dejarse ver en alguna sala con proyector digital.

Pero no obstante la parafernalia técnica y la osadía humana, este documental, como muchos otros de corte ecológico y naturalista, presenta una visión en extremo preciosista de la naturaleza y la vida animal. Para Disney, los animales son criaturas muy bonitas, tiernas y cercanas al peluche de farmacia. Los directores -¿o la compañía?- le extirpan a todo su documental la parte sucia, pestilente y asesina de todos los animales que retratan. Así, cuando vemos a un guepardo perseguir a un venado para comérselo, los directores nos lo muestran en un bello y emocionante montaje –música de acción de fondo incluída- que, justo cuando el animal está listo para hincarle el diente, retira la cámara para no mostrar la parte cazadora –y por ende asesina- de los animales. La increíble secuencia de un tiburón blanco que salta del agua para comerse de un solo bocado a una foca, es magistral por el sentido de oportunidad –tener la cámara rodando en el momento justo- pero pierde fuerza cuando vemos que las hileras de dientes del tiburón muerden a su presa sin que se derrame gota alguna.

‘Earth’, es un documental muy lindo, pero que falsea la realidad, presentándonos a la naturaleza de forma pasteurizada; empacada, limpia, colorida, inodora y por supuesto, insípida.

Nota: Y por cierto, ya ni qué decir del doblaje, mientras que en la versión de E.U. la voz del narrador corre a cargo de James Earl Jones (Mr. Darth Vader himself!), en México nos tenemos que chutar la voz de Fher… de Maná… no comments.

El Twitter de este blog sigue y seguirá activo hasta que nos cansemos de subir mensajitos o esta H. casa editorial me mande a Cannes y de tanta fiesta ya no pueda ni escribir, la dirección es: http://twitter.com/elsalonrojo. Si quieren saber más sobre el servicio de Twitter y el micro bloggin, les dejo aquí una muy amena explicación.