Hasta nuevo aviso.

Es como si las salas, hartas de las veces que nos hemos quejado por que la película estaba bien mala, cobraran venganza cerrando sus puertas. Así me sentí el viernes pasado cuando fui al cine de Perisur y lo único que encontré fue un letrero pegado a un poste –de esos que usan para hacer las filas- que rezaba: “En solidaridad a los esfuerzos de la Secretaría de Salud, Cinépolis, anuncia el cierre de los complejos en la zona metropolitana hasta nuevo aviso. Cinépolis reitera su liderazgo en México a través de su firme compromiso con el bienestar de sus clientes y colaboradores.”

¿Qué hacer?, ¿dé que voy a escribir en el blog? La pregunta me ha torturado toda esta semana. Y supongo no soy el único, todas las secciones de cultura y espectáculos en los diarios han estado por demás raquíticas. Escucho a mis amigos y todos me hacen la misma recomendación: “habla de películas sobre viiiiruuuusss….”. Pues si, suena lógico, pero ya todo mundo lo hizo. Sin embargo, como veo que esto va para largo y de nada sirve el pánico, lo mejor que puedo hacer es zambullirme en la colección de DVD’s y recomendarles aquello que me parece indispensable. Evidentemente faltan muchas (conté más de 50 en mi lista preliminar), pero me parece que todo cinéfilo debería aprovechar el tiempo libre que viene para darse oportunidad de ver estas películas. Esperemos que el próximo viernes no tenga que hacer la segunda parte de esta lista, y mejor ocupemos este espacio en contarles –por ejemplo- lo mala que está la nueva película de Wolverine.

Sin algún orden en particular, esta es la lista de las películas que hay que ver antes del fin del mundo:

Citizen Kane (Ciudadano Kane, 1941)
Dir. Orson Welles

Si, han escuchado miles de veces que Citizen Kane es la película que sale en más listas como una de las mejores en la historia del cine. Yo no sé si sea o no a mejor, es más, no me interesa. Citizen Kane es una gran película por que Orson Welels atrapa a su público desde el primer minuto. No solo por su actuación como Charles Foster Kane, sino por la forma en cómo arma su historia, sus encuadres, la edición y un guión que se volvió canon para todo el cine que vendría. Hagan el experimento, véanla, reconocerán la estructura de muchísimas películas contemporáneas. Bueno, cómo será de influyente esta película que muchos políticos siguen deseando convertirse en pequeños Kane’s. La fábula del poder perfecta. Chequen el también su inusual trailer.

Los Olvidados ( 1950)
Dir. Luis Buñuel

La mejor película Mexicana de todos los tiempos fue dirigida por un español. ¿Qué nos dice eso de nuestro cine nacional? Los Olvidados es importante porque, justo cuando el cine mexicano mostraba una visión romántica del pobre (Pepe el Toro es inocente), Buñuel decidió ir a buscar la verdadera pobreza en los límites de la Ciudad de México. Ahí encontró toda suerte de personajes marginales, con sueños truncados, listos para arrebatarle los días a la vida a punta de golpes. El surrealismo de Buñuel no podría haber encontrado mejor escenario que la pobreza nacional para desplegar todas sus obsesiones: el sueño onírico del protagonista, su obsesión con los muslos y los pies femeninos, el erotismo siempre presente en toda su obra y en todos sus personajes. Hace falta que alguien en el cine nacional se anime de nuevo a retratar a este país tal cual es, sin temor a la cruda realidad. Hace falta que tantos directores emergentes de hoy en día vean al país a través de la lenta de Luis Buñuel.

Brazil (1985)
Dir. Terry Gilliam

La burocracia algún día nos va a matar, si no es que ya lo hace desde hoy. En algún lugar que parece ser el futuro, el estado totalitario ejerce control y paranoia sobre la población. En esta sociedad hypercontrolada y tecnificada vive Sam Lowry, burócrata que acata todas las órdenes y métodos, pero que de repente, cuando las cámaras no están vigilando, se permite algunos escapes: viejas películas clásicas y sus fantasías oníricas dónde él vuela por encima de todos esos pobres humanos controlados por las computadoras.

Muchas veces comparada con la ‘1984’ de George Orwell, inclasificable (nadie se decide si es una comedia surreal, drama, ciencia ficción, cyberpunk, o cine negro), mutilada y enlatada muchos años por la distribuidora –MGM- porque (en opinión de sus ejecutivos) la película era demasiado densa para que causara interés en el público. Al pobre director lo obligaron a filmar un final alternativo donde todo termina feliz, pero ahora gracias a las glorias del DVD es posible ver la versión original del director, con el verdadero final que es uno de los más tristes que yo haya visto. Barroca, densa, larga, extraña, todo esto y más han dicho sus detractores; no se dejen llevar por las voces de los hombres de traje, son ellos los que usualmente no soportan una película innovadora, crítica, cínica, mordaz… y de culto.

Blade Runner (1982)
Dir. Ridley Scott

La película que probablemente ejemplifica mejor que ninguna otra el término ‘de culto’. Cuando esta cinta llegó a los cines, a nadie le importó, ni siquiera por que el protagonista era mister Han Solo himself, Harrisson Ford. Al igual que Gilliam con Brazil, Scott tuvo que hacer una nueva edición de esta cinta -por que ‘nadie le entendía’- con una terrible voz en off que explicaba todo lo que veíamos en pantalla. Pero afortunadamente llegó el Beta y el VHS, y fue así, en la frialdad de la pantalla de cristal, que esta pequeña gran película fue creciendo hasta convertirse en ese culto llamado ‘Blade Runner’.

La obsesión perfeccionista de Ridely Scott es la que hace grande a esta historia sobre los replicantes, cyborgs perfectos que sus mismos creadores tienen que eliminar cuando aquellos reclaman su derecho a existir entre los humanos. Harrison Ford – quien siempre se dijo la pasó muy mal en la filmación- consiguió encarnar a otro personaje inmortal y melancólico en el detective Rick Decard quien tiene como misión ir tras estos seres que al final resultan más humanos que todos nosotros.

A Clock Work Orange (Naranja Mecánica, 1971)
Dir. Stanley Kubrick

Si el eminente fin del mundo no les da el tiempo necesario para ver todas las películas de Stanley Kubrick, esta es la que tienen que ver antes que ninguna otra. La película más polémica y odiada de Kubrick resulta fascinante precisamente por las reacciones que aún el día de hoy provoca. El buen Alex, amante del viejo “mete-saca, Beethoven y la ultraviolencia” sigue escupiendo en la cara de esta sociedad, misma que aún el día de hoy sigue fabricando individuos como él. La molestia y la polémica que esta película genera es tal, que incluso aún se debate si Kubrick estaba haciendo una apología a la violencia o una ‘aguda crítica’ a la sociedad y sus hijos. Más que eso, Kubrick estaba haciendo lo que mejor supo hacer durante toda su vida como cineasta: tomar los miedos más profundos de la humanidad para luego estrellárselos en la cara.

Chinjeolhan geumjassi (Sympathy for Lady Vengeance (Señora Venganza), 2005)
Dir. Chan-wook Park

Lee Geum-ja ha pasado trece años en la cárcel. Trece años pagando la pena por un crimen que no cometió. ¿Qué hacen trece años de cárcel a una mujer inocente? Para Lee Geum-ja ese tiempo apenas y es el necesario. Consciente de que las autoridades nunca harán justicia, Lee Geum-ja tiene un plan que comienza a fraguarse desde la cárcel. Un plan con la precisión matemática y la belleza propias de una auténtica obra de arte.

Para el director, Chan-wook Park, la venganza es un tema que no cabe en una sola cinta. Señora Venganza forma parte de la trilogía que este director coreano ha filmado en torno al tema. Aunque en realidad, la venganza es solo el pretexto; la violencia y la hermosa estética – aunque diferente en cada una de las cintas – son solo forma. En el fondo, Chan-wook Park juega con nosotros, pone al límite lo que por años hemos considerado como “lo correcto”. En el cine de Chan-wook, la venganza no es el tema, el tema es la moral, misma que el director pone a prueba en situaciones límite, con la conciencia humana culposa de fondo.

La imagen virginal de Lee Geum-ja quedará en el pasado (que no en el olvido) para volverse en esta femme fatale, sexy por definición y letal por convicción. Después de todo, como diría Goethe: “En la venganza, como en el amor, la mujer es siempre más bárbara que el hombre”. Una película brutalmente hermosa.

The Three Burial of Melquiades Estrada (Los tres entierros de Melquiades Estrada, 2005)
Dir. Tommy Lee Jones

Guillermo Arriaga – el exitoso guionista y escritor mexicano- contesta el teléfono de su oficina, al otro lado de la línea le habla Tomy Lee Jones, el actor acaba de ver ’21 Gramos’ y está fascinado con el trabajo de Arriaga. Ambos se hacen amigos, y Lee Jones convence a Arriaga para que lo deje dirigir esta historia de amistad fronteriza. El resultado es grandioso, la mejor película de Guillermo Arriaga no es alguna que haya dirigido Alejandro González Iñárritu.

Lee Jones interpreta a Pete Perkins, un avejentado vaquero texano que tiene como mejor amigo a un ilegal mexicano, Melquíades Luego de cosechar una profunda amistad, Melquiades es encontrado muerto en el campo, apenas sepultado por un puñado de tierra. Perkins siente la necesidad imperiosa de cumplir la última voluntad de su mejor amigo: ser enterrado en su tierra natal, en México. Perkins hará algo completamente inusual, intentará cruzar la frontera de manera ilegal, con el cuerpo de su amigo muerto en las espaldas. Un gringo cruzando la frontera hacia México, surrealismo que solo sucede en una frontera como la de México- Estados Unidos.

“Los tres entierros…” es una suerte de “road movie” mezclado con western fronterizo. Tomy Lee Jones entrega aquí la actuación de su vida; nos recuerda a un Clint Eastwood, pero más solitario, más oscuro. Una suerte de Quijote fronterizo bicultural (el personaje habla inglés y español) pero con muchas dudas a cuestas. Obra maestra, así, sin más. Gran cinta que nos presenta otra cara de ese “tercer país” que es la frontera. El río Bravo como una suerte de espejo donde, cualquiera que asome, se verá así mismo reflejado al otro lado.

The Fa yeung nin wa (In the Mood for Love (Deseando Amar, 2000)
Dir. Wong Kar Wai

El corazón roto como evento liberador del deseo prohibido. El amor imposible, el deseo como venganza sutil y elegante. Principios de los años setenta, Hong Kong, Chow Mo-Wan (Tony Leung) y Li-Zhen (la hermosísima Maggie Cheung) son vecinos y descubren casi simultáneamente que sus respectivas parejas tienen un romance. La monotonía, la tristeza, la soledad compartida los lleva al camino inevitable de una relación intensa, distante, clandestina y apasionadamente elegante.

Un ejercicio de estilo total donde la historia subyace en los silencios, en los detalles, en el ensordecedor silencio de los amantes que no pueden serlo. El mítico director chino, que nunca estudió cine, que supuestamente trabaja sin guión y que es inspiración de muchos de los directores de la nueva ola (Iñárritu no niega la inspiración de Kar Wai en Amores Perros), entrega en esta cinta una auténtica lección de riqueza sensorial, estética cinematográfica y manejo de las emociones. Una cinta que entra por los ojos y abona en aquella parte del corazón donde guardamos la melancolía.

Away from Her (Lejos de ella, 2006)
Dir. Sarah Polley

En una de las escenas más emotivas de Away From Her, su protagonista, Fiona (Julie Christie), reflexiona sobre el amor y concluye: “Creo que la gente es muy exigente…quieren estar enamorados todos los días… ¡Esa es una gran responsabilidad!”. Son las palabras de una mujer madura que al final del camino se da cuenta de que todas esas reglas que exige el amor son una carga muy pesada.

Fiona (Julie Christie) y Grant (Gordon Pinsent) son una pareja que ha estado casada por más de cuarenta años. Ella comienza a desarrollar síntomas de Alzheimer's por lo que decide a entrar a una institución especializada. Cuando pasan los días, Grant se encuentra no solo con que la enfermedad de Fiona ya está más avanzada, sino que al parecer se ha enamorado de otro hombre y ya no lo recuerda a él.

Lo joven directora – y también actriz- Sarah Polley muestra en este debut como directora que ha sabido aprender de todos aquellos grandes directores de los que ha recibido órdenes (ha trabajado con Atom Egoyan, David Cronenberg, Michael Winterbottom, Isabel Coixet) y no solo eso, sino que de toda esa experiencia ha montado un trabajo digno, moderado, sólido y emotivo, al cual no se le puede reprochar ni una línea de diálogo, ni una pausa, ni un escenario. Si aquello que llamamos amor no es sino un pedazo de memoria, luego entonces el amor es tan fugaz como cualquiera de nuestros recuerdos, mismos que con el tiempo se irán apagando uno a uno, como las luces de una casa.

UPDATE: Y sólo por que ustedes lo pidieron... va la famosa lista sobre películas de virus, pandemias, infecciones y similares. (luego no se quejen de que el blog está gigantesco.)

The last man on Earth (1964)

Dir. Ubaldo Ragona

En 1964 el director Ubaldo Ragona –de origen italiano-, realizó una cinta que se volvió de culto por el tétrico escenario que planteaba. El Dr. Robert Morgan (Vincent Price) se convertiría en el único sobreviviente de una pandemia mundial que mató a la población entera. El Dr. Morgan desarrolla una inmunidad, pero ahora… el está solo en la faz de la tierra. Las víctimas del virus se levantan por las noches sedientas de sangre, el Dr. Morgan debe aprender a sobrevivir a las criaturas de la noche y, más importante, a la locura.

Basada en la novela ‘I’m Leyend’ (Soy Leyenda, escrita por Richard Matheson) y con un espíritu cercano al cine tipo B, la película se mantiene por la actuación de Vincent Price, una auténtica leyenda de la actuación en el género del cine de terror (él es responsable de la famosa voz tétrica en la canción Thriller de Michael Jackson). Está cinta tuvo dos remakes, en 1960 bajo el título ‘Th Omega Man’ (con Charlton Heston en el papel principal) y en 2007 de la mano del director Francis Lawrence con Will Smith en el protogónico. Lo impresionante de esta última versión eran las tomas de una Nueva York completamente abandonada y a la deriva con un Will Smith que sale a cazar venados en plena avenida central.

28 Days later (28 días después, 2002)

Dir. Danny Boyle

El creador de ‘Slumdog Millionaire’ -y ganador del Oscar como mejor director- a cubierto prácticamente todos los géneros cinematográficos, el terror es uno de ellos.

Un hombre despierta después de un largo letargo, comienza a caminar por las calles de Inglaterra sin encontrar a nadie, todo el país está desolado. Eventualmente encontrará a algunos sobrevivientes de lo que al parecer se trató de una infección a nivel mundial. La verdad sobre los hechos es aún más terrible.

Boyle sabe manejar el suspenso de su historia, su cámara se mueve frenéticamente y sus tomas imposibles de una Londres desolada y desierta han sido copiadas y/o homenajeadas hasta el hastío. Suspenso y terror de nuevo siglo.

Outbreak (Epidemia, 1995)

Dir. Wolfgang Petersen

Antes de que este director alemán echara a perder su carrera con churros infumables como Air Force One (1997), Troy (2004) o el remake de Poseidón(2006), Petersen no se aguantó las ganas de hacer una película de desastres con el elemento de la alerta pandémica. En Outbreak (Epídemia), un virus que se desata en África es estudiado por militares de los E.U. La posibilidad de contagio en Estados Unidos es minimizada, pero pronto comenzarán los casos de contagio –cortesía de un simpático macaco que de alguna forma llega desde Africa a los Estados Unidos-, el gobierno tendrá que reaccionar, aunque tal vez lo haga demasiado tarde.

Con un cast impresionante –Dustin Hoffman, Rene Russo, Morgan Freeman, Kevin Spacey- la película resulta interesante por el giro terrorífico: la incompetencia del gobierno es igual o más terrible que el virus mismo.

12 Monkeys (Doce monos, 1995)

Dir. Terry Gilliam

En un futuro no muy lejano, la faz de la tierra está habitada sólo por animales que recorren las ruinas de lo que alguna vez fue la civilización humana. En las alcantarillas y muchos metros bajo tierra, se encuentran los últimos sobrevivientes de la raza humana. Un virus que sólo afecta a los humanos poco a poco los fue exterminando.

Los científicos tienen un plan, enviar a un hombre en un viaje en el tiempo al pasado, para averiguar el detalle de dónde empezó la infección y con ello detener la letal pandemia, dando a la humanidad una última oportunidad.

Locura, acción y una historia de amor. Bruce Willis, Brad Pitt y Madeleine Stowe como protagonistas. Parece Hollywood, pero no lo es, el director Terry Gilliam entrega una historia inteligente, interesante, fascinante. Una película de culto que vino a demostrar al público que tanto Willis como Pitt eran algo más que caras bonitas o héroes de acción. De hecho, Pitt consiguió su primera nominación al Oscar gracias a esta película del maestro, maestrísimo, Terry Gilliam.

Rabid (1977)

Dir. David Cronenberg

Una mujer acude a una clínica donde le practican una cirugía experimental, algo no sale bien, ella empieza a desarrollar un gusto por la sangre humana. Las víctimas de esta mujer poco a poco se empiezan a convertir en zombies sangrientos, la infección amenaza a todo un pueblo.

He aquí un ejemplo de por qué a David Cronenberg se le conoce como, El Rey del Horror Venéreo, el Barón de la Sangre. El director plasma aquí no sólo su obsesión con los cuerpos deformados y las referencias sexuales extremas, sino que además se dio el lujo de utilizar a una estrella porno como su protagónico, la sensual –y recientemente fallecida- Marylin Chambers. Un festival de sangre, sexo, terror y paranoia, como sólo el maestro Cronenberg lo puede hacer.

Children Of Men (Niños del Hombre, 2006)

Dir. Alfonso Cuarón

De alguna forma –se sospecha de un virus-, en algún no tan lejano futuro, la humanidad se ha vuelto estéril. El mundo se va quedando sin niños, la humanidad tiene los días contados, la extinción es eminente.

Alfonso Cuarón –otro director que también navega entre los diferentes géneros cinematográficos con total soltura- dirige lo que muchos críticos estiman es la cinta de ciencia ficción más importante del nuevo milenio. La cámara del también mexicano Emmanuel Lubezki logra atmósferas muy poderosas en planos secuencia imposibles. Cuarón logra hacer una historia conmovedora pero sin ser complaciente, dejando abierto el final que resulta por demás impactante y emotivo.

The Invasion (Invasión, 2007)

Dir. Oliver Hirschbiegel

El enésimo remake del clásico ‘Invasion of the Body Snatchers’, fue también el debut en Hollywood de Oliver Hirshbiegel, aquel director alemán responsable por la extraordinaria ‘Der Untergang’ (La caída, 2004) sobre los últimos momentos de Hitler.

Esta adaptación de la clásica historia del virus alienígena que comienza a infectar a los humanos volviéndolos obedientes seres sin emociones, tubo muchísimos problemas, al grado que el estudio mandó traer a Andy Wachowski y Larry Wachowski (directores de la saga Matrix) para rehacer las escenas de acción que no convencían a los altos ejecutivos.

Me parece que este remake funciona por el suspenso que crea, nunca sabes si la persona de junto ya fue convertido o no. Además, la edición en DVD trae un excelente documental donde doctores y científicos hablan de las infecciones, pandemias, virus y demás temas tan en boga hoy en día. Y como plus, sale Nicole Kidman, bien guapa as always.

El Twitter de este blog sigue y seguirá activo hasta que nos cansemos de subir mensajitos o el fin del mundo llegue, la dirección es: http://twitter.com/elsalonrojo. Si quieren saber más sobre el servicio de Twitter y el micro bloggin, les dejo aquí una muy amena explicación.