Así, los miles de fans que en los setenta habían visto la saga original, se encontraban ahora –veinte años después- ante la posibilidad de revivir la emoción de ver una película de Star Wars en el cine (algunos solo pudimos conocerlas gracias al glorioso Beta).

La Ciudad de México se vio tapizada ese verano por los carteles del Episodio 1. El fanatismo se hizo presente; por las noches, grupos de jóvenes rompían los cristales de los parabuses para robarse los pósters, mismos que hoy cotizan alto en E-Bay.

Y es en esos mismos parabuses, en aquel verano de 1999, que nos enteramos de otra película. El cartel de esa cinta no era muy llamativo: tres rostros (Keanu Reeves al centro, Carrie-Ann Moss y Laurence Fishbourne flanqueando) con gafas obscuras estilizadas, un fondo azul y la pregunta que confrontaba a quien viera el cartel: ¿Qué es la Matrix?

En México The Matrix llegó antes que Episodio 1 (en E.U. el estreno fue casi simultáneo), así que los rumores ya se empezaban a escuchar de este lado del río: ‘más que una película es una experiencia’, ‘nunca haz visto algo como The Matrix’, ‘los efectos especiales marcan un antes y un después en el cine’, etc. Acudimos a ver The Matrix más por curiosidad que por un auténtico deseo. Imposible sospechar que en realidad estábamos a punto de vivir lo que probablemente fue el evento cinematográfico de aquella década. Como bien dice el personaje de Morpheus: “Nadie te puede decir que es la Matrix, tienes que verlo por ti mismo”.

La trama de la cinta era de lo más provocador (al menos para una película de ciencia ficción): ¿Cómo sabes qué es lo real?, ¿Cómo defines lo real?, si la realidad se conoce a través de los sentidos y estos a su vez funcionan mediante impulsos eléctricos, ¿Qué tal si lo que creemos es la realidad no es más que una simulación virtual creada por las máquinas?

Tal vez lo que hace fascinante a The Matrix es la mezcla de tantos elementos: una historia cyberpunk tan poderosa y emotiva como no se había visto desde Blade Runner, una estética noir propia del manga japonés, la edición frenética y el culto a las armas propio del cine de John Woo, música punk-rock, peleas de kung-fu usando las técnicas del cine de Hong-Kong (la coreografía con cables, tan choteada en nuestros días, encontraba su pináculo en esta cinta), efectos especiales nunca antes vistos (¿se acuerdan del bullet-time?) y una historia que cuestionaba al público sobre temas filosóficos trascendentes.

The Matrix fue una película revolucionaria, no solo aportó nuevas técnicas de efectos especiales sino que además fijó un nuevo estándar en cuanto a lo que las películas comerciales podrían aspirar a ser. Matrix demostraba que la inteligencia no estaba peleada con la acción o el éxito comercial.

Nuestra emoción al salir del cine era extrema, aún no comprendíamos la dimensión de lo que acabábamos de ver, pero sabíamos que no éramos los mismos que cuando entramos a la sala. El término ‘de culto’, lo ganó de inmediato.

Después vendría el Episodio 1 y, debemos confesarlo, nos emocionamos, pero se trataba de una emoción ciega, de fan. Todas las precuelas de Star Wars fueron una gran decepción. Lucas prefirió hacer cine para niños (Jar-Jar Binks) en lugar de expandir el universo que él (y los fans) habían vuelto un culto. George no tenía ya nada nuevo que decir a nuestra generación (ni a ninguna), en cambio los hermanos Wachowski (los directores de The Matrix) prometían ser al menos más interesantes y trascendentes.

Hoy, a 10 años de aquella experiencia, ni Lucas ni los Wachowski han logrado superar sus obras maestras. De todas las secuelas a The Matrix, la única que merece atención es ‘The Animatrix’, serie de cortos animados que expanden las ideas de la primera película y que resultan incluso mejores que las secuelas (Reloaded y Revolutions).

Pero no obstante, la Matrix original ha envejecido bien. Sigue siendo una película de culto que aún provoca encarnadas discusiones filosóficas, una cinta que se volvió referencia obligada, la meta a la que toda película de acción decente aspira llegar, un reflejo de los miedos de fin de milenio, una cinta que marcó a una generación, a una década y que seguirá cuestionando a aquel que se atreva a verla. Pobre George Lucas, nunca pensó que algo tan grande pudiera ocurrir en sus narices.

Get off my lawn!
Gran Torino
Dir. Clint Eastwood

¿Qué habrá sido primero, Hollywood o Clint Eastwood? El actor que este año cumplirá 78 años, lleva 53 actuando y 37 dirigiendo; ha ganado cuatro oscares, dos como director y dos por Mejor Película. Clint el actor leyenda, el tipo rudo del cine, el antihéroe norteamericano por antonomasia.

Clint, el actor, ama profundamente el cine, y es por ello que evolucionó para convertirse en Eastwood, el director. Tras la cámara –y luego de un periodo más bien largo de aprendizaje en su nuevo oficio- Eastwood le ha dado a Hollywood algunas de las películas más honestas de su larga historia como industria ‘creadora de sueños’. Bird (1988), The Unforgiven (1992), Mystic River (2003), Million Dollar Baby (2004), Flags of Our Fathers / Letter from Iwo Jima (2006) son cintas que muestran al Estados Unidos profundo, bravo, lleno de contradicciones, vicios y tragedias humanas. El cine de Eastwood es –al unísono- una alabanza y una crítica a lo mejor y lo peor de su país. Esto somos, esto podemos ser; pareciera decirle Eastwood a sus compatriotas.

Gran Torino es el mejor resumen de la carrera de este hombre que lleva al cine en la piel. En la que supuestamente –ojalá sea un ardid publicitario- será su última actuación, Eastwood encarna a Walt Kowalski, un veterano de la guerra de Corea, jubilado, chapado a la antigua y forjado en los mejores valores americanos; lo cual no le impide ser racista y malhablado, de expresiones duras y con un arma siempre lista para lo que se ofrezca.

Kowalski vive en lo que alguna vez fue un clásico suburbio americano pero que últimamente ha sido copado por familias Hmong (una antigua comunidad china), junto con ellos vienen las pandillas y sus rivales latinos. Un joven vecino suyo, Thao, se ve forzado a unirse a la pandilla de su primo, su rito de iniciación será robar el Ford Gran Torino 1972 del Señor Kowalski. Esos chicos debieron pensársela dos veces, por que, como bien dice Kowalski: “¿Alguna vez te cruzaste con alguien a quien deberías haber evitado? Ese soy yo”

Kowalski es una amalgama de los personajes más emblemáticos que Eastwood dio al cine: el héroe crepuscular del western, el antihéroe que nunca se dejará vencer, el capítulo final de ese duro policía llamado Harry Callahan y que apodaban ‘El sucio’. Eastwood, maneja con soltura a su personaje; donde muchos actores necesitan maquillaje, ambientación y vestuario para hacer un papel, Eastwood sólo necesita unos cuantos murmullos, un gesto adusto y esa mirada tan poderosa y letal como su antigua Magnum 44.

Emotiva, cruda, llena de humanidad y trascendencia argumental. La mejor mezcla entre el cine necesario (la temática racial) y el cine hollywoodense (las frases que se volverán de antología) sin traicionar ninguna de sus vetas. Gran Torino es el gran adiós de un hombre que más que actor fue un creador de personajes. Un escalón más para un hombre que le queda corto el título de director. Eastwood, autor.

¡Tengo una cita con una gelatina!
Monsters V.S. Aliens
Dir. Rob Letterman & Conrad Vernon

Lo mejor que la ha pasado al cine de animación no es la computadora sino el desparpajo. La burla, la sátira, la parodia, la crítica a lo estúpidos que somos los seres humanos se vuelve tremendamente efectiva cuando para ello se utiliza la animación. En la televisión lo comenzaron los Simpsons, en el cine Shrek. Monsters vs Aliens contribuye con una buena dosis de desparpajo total.

Especie de homenaje a algunas películas de terror tipo B de los años cincuenta, Monsters vs Aliens se ambienta en aquella época en el pueblo de Modesto California (pueblo natal de George Lucas, por cierto). Una base militar secreta ha reclutado a diferentes monstruos para usarlos como arma secreta ante cualquier amenaza externa que pudiera presentarse. En dicho grupo tenemos a ‘El Eslabón Perdido’ (El monstruo de la laguna negra, 1954), ‘Dr. Cucaracha’ (The Fly, 1958), ‘Genórmica’ (The attack of the 50 ft woman, 1958), ‘Insectosaurio’ (Mothra, El Indestructible, 1961), y a ‘Bob’ (‘La Mancha Voraz’). Por supuesto la amenaza no se hace esperar y surge en forma de un robot alienígena enviado a la tierra por el terrible Galaxor.

Estamos frente a una cinta completamente hilarante y lúdica llena de innumerables detalles y referencias a muchas otras películas que van desde E.T., hasta la Guerra de los Mundos pasando por el Dr. Strangelove de Kubrick. Aunque por momentos intenta ser una película con mensaje (la aceptación de las minorías, la crítica al canon social de la belleza y un ligero toque de feminismo), el ánimo chocarrero de la cinta prevalece y es de agradecerse.

De risa loca todas las secuencias en las que se involucra al gobierno y su jefe de estado, un presidente fanfarrón y tonto que nos arranca la mayoría de las carcajadas en los casi 90 minutos que dura el filme.

Cabe destacar que el trabajo de doblaje al español en esta cinta, que a pesar de contar con algunas luminarias como ‘Yordi Soler Rosado’, no recurre a la tropicalización de los chistes, dejando un doblaje que resulta casi una traducción exacta del material original. Sin embargo, vaya la queja hacia la distribuidora por no exhibir al menos una copia en inglés.

Si pueden, háganse un favor y véanla en glorioso 3D, es igual de disfrutable en ambos formatos, pero la experiencia bien vale la pena. Definitivamente, ésta cinta es la opción para estas vacaciones, tanto niños como adultos disfrutaran el show. De lo mejor en lo que va del año.

Cuando Hollywood se vuelve un pantano.
Knowing (Presagio)
Dir. Alex Proyas

Hace muchos años existía un director de origen egipcio llamado Alex Proyas. En 1994, (cuando adaptar cómics al cine no era algo tan común como hoy en día) Proyas se dio a la tarea de adaptar a cine un cómic muy popular -sobre todo por la comunidad dark norteamericana- llamado The Crow que fue escrito por James O’Barr.

Esta cinta –de presupuesto modesto- es aquella donde el hijo de Bruce Lee, Brandon, perdiera la vida por culpa de un sabotaje en las armas de salva usadas en la película. Este hecho dio mucho público a la cinta, pero el morbo se desvaneció ante una obra que supo llevar a buen puerto la obscuridad, el dolor y la podredumbre social que reflejaba el cómic original.

Después, el mismo director repitió el éxito realizando una película llamada Dark City (1998); la pesadilla onírica de John Murdoch fue otro notable trabajo de ficción obscura que hizo que Proyas alcanzara el nivel de director de culto.

El éxito hizo que vinieran los altos presupuestos y las estrellas hollywoodenses tocaron a la puerta seguidos por la danza de los millones. En 2004 se la asigna a Proyas la adaptación a cine del clásico de Isaac Asimov, Yo Robot, con Will Smith en el protagónico. La cinta, plagada de impresionantes efectos especiales, resulta un fracaso en la crítica y un mediano éxito en taquilla.

¿Acaso Proyas es de esas aves que cruzan el pantano de Hollywood y mancha su plumaje? La respuesta, ateniéndonos a su nuevo trabajo, es positiva.

John Koestler (Nicolas Cage)es un profesor del MIT viudo que vive con su hijo Caleb. En la escuela de este último se realiza una ceremonia para destapar una ‘cápsula del tiempo’, que no es más que un envase enterrado por los alumnos de aquella escuela cincuenta años atrás y que contiene dibujos sobre como pensaban aquellos niños que sería el futuro. Cada niño recibe un sobre con un dibujo de sus compañeros de aquella época, pero Caleb encuentra en su sobre un par de hojas con cientos de números. Su padre, al fin y al cabo científico, se obsesiona por encontrar un significado a esos números y descubre que corresponden a las fechas y número de muertos de las grandes catástrofes naturales, desde el 11 de septiembre de 2001 hasta el 19 de septiembre de 1985 en México.

La lista es exacta en fechas y número de muertos, pero en la misma aparecen tres nuevos desastres por ocurrir. ¿Podrán John y Caleb detener esos accidentes?, ¿si quiera deben intentarlo o lo que esa lista demuestra es que todo está predeterminado?

Esta cinta no es más que un pastiche de varios conceptos antiguos que entran con calzador en un guión que mientras más avanza más ridículo se vuelve: es una cinta de paranoia mezclada con película de terror, mezclada con cinta sobre desastres naturales, pegada con una película sobre alienígenas, con un toque de suspenso, thriller paranormal y metafísico. Todo lo anterior en una película que a pesar de tantos giros avanza lento entre las casi dos horas que tiene de duración.

De nuevo, al igual que con Yo Robot, lo mejor de la película son las escenas, con efectos especiales (ya bastante quemadas en los avances), del desplome de un avión (un plano secuencia trucado pero bastante impresionante) y el descarrilamiento de un tren subterráneo.

Cero y van dos para Proyas. El otrora director de culto al parecer no sabe lidiar con las grandes estrellas -bueno, y tampoco es que Nicolas Cage sea tan buen actor ¿eh?, desde Lord of War (2005) no se le ve nada bueno- ni con los grandes presupuestos. Esperemos a ver si en su siguiente proyecto –aún por definir- regresa a su estatus de culto o se queda como un simple director más.

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