Morelia, auténtica capital del cine.

Festivalear es un deporte de resistencia. Resulta imposible seguir la pista de toda la gama de películas y actividades que se nos ofrecen. Aquí una lista de lo mejor que pudimos ver en Morelia, la peor película, la que odiamos habernos perdido y un comentario sobre la cinta ganadora.

Tetro
Dir. Francis Ford Coppola

En su afán de hacer “el tipo de cine que soñé cuando era estudiante”, el buen Francis se ha alejado de las grandes superproducciones para confeccionar cintas que muchos catalogarán como cine “de arte” al no encontrarle otra etiqueta menos solemne y más adecuada. Tetro es definitivamente lo más interesante de esta nueva veta fílmica. La cinta, filmada en Argentina, cuenta la historia de Bennie un joven quien después de muchos años de ausencia se reencuentra con su hermano mayor con el afán no sólo de reconciliarse con él sino también con el duro padre de ambos. Así es, Coppola retoma el viejo tema de la familia, en este caso retorcidamente disfuncional.

Filmada con las más recientes tecnologías digitales y en HD, la cinta es un auténtico deleite visual; nunca una película filmada en blanco y negro se había visto tan bien. Vincent Gallo en el papel de Tetro dicta el ritmo de la cinta que aunque cuenta con un poderoso y enigmático comienzo, pierde fuerza rumbo a un final forzado. A pesar de ello, no deja de ser interesante ver a un director consagrado intentar reinventarse a sus 70 años.

500 Days of Summer
Dir. Marc Webb

La ópera prima de Marc Webb comienza con un reto: lo que veremos no es una película de amor. Y en efecto, 500 Days of Summer, más que alejarse de los clichés de las películas de este género, los asume para irlos destrozando uno a uno. Con un espíritu similar al de 5x2 de Ozon, 500 Days… no engaña a su público, casi de inmediato sabemos que la relación entre Summer y Tom no funcionará. La cinta será el recuento de ese viaje de ilusión y doloroso desengaño donde no hay malos, culpables, ni víctimas. Lo interesante de esta cinta es reconocer, y reconocerse en muchas de las situaciones. Lo triste es que, a pesar de su espíritu trasgresor e “indy” no logra deshacerse del estigma Hollywodense, traicionando en los dos últimos minutos de cinta todo lo que habría construido en los noventa minutos anteriores.

La Mitad del Mundo
Dir. Jaime Ruiz Ibañez

La Mitad del Mundo es una cinta que al leer su sinopsis (la historia del despertar sexual de Mingo, un adolescente con ligero retraso mental) no invita en absoluto, pero una vez que se le da una oportunidad resulta una grata sorpresa. Es una cinta que no puede escapar a la etiqueta de “cine mexicano”, excepto por dos cosas: está bien hecha, mejor actuada y además, nos emociona. Mingo – un adolescente virgen, que en efecto tiene retraso mental- no puede ser ajeno a las calenturas adolescentes; su madre –en un afán de querer calmar aquellos impulsos de juventud- encuentra a una chica para darle cauce al deseo de su hijo. Mingo adquiere una reputación de excelente amante y lo que en un principio parece un entretenido juego, termina siendo la vía para mostrar la peor cara de un pueblo con una doble moral rampante. La cinta se vuelve grandiosa por dos elementos: la estupenda, magnífica actuación de Hansel Ramírez en el papel de Mingo, y un guión con la valentía e inteligencia suficientes como para tratar con decoro un tema tabú: el sexo entre personas con retraso mental.

Viaje Redondo
Dir. Gerardo Tort

Viaje Redondo podría ser otra road movie excepto porque: está bien dirigida, es bastante osada, es mexicana; y es que, ¿cuántas road movies mexicanas buenas conocen? Si de inmediato pensaron en “Y tu mamá también” no son los únicos, muchos de los asistentes a Morelia (incluído su servidor) pensaron de inmediato en esta película como un “Y tu mamá…” pero con chicas. Eso sería una reducción al absurdo, pero no tan alejada de la realidad. Viaje Redondo es la historia de dos chicas, una chilanga, la otra acapulqueña, ambas de veintitantos, ambas con una decepción amorosa a cuestas, ambas con la idea de ir a buscar al culpable de ello para encararlo. El destino, caprichoso, las une en su viaje de búsqueda por sus antiguos novios para convertirse –como en toda road movie que se respete- en un viaje de introspección y autoconocimiento. Una película intrigante que aún no decido si es una fantasía masculina llevada al cine, una vil farsa, o si se trata de un auténtico relato donde las mujeres se vean reflejadas. Chicas, cuando la vean, por favor me dicen que les pareció.

The Imaginarium of Doctor Parnassus
Dir. Terry Gilliam

La última película de Terry Gilliam nunca dejará de ser “la última película de Heath Ledger”. Y a pesar de ello, Gilliam logra entregar una pieza que si bien no le llega a la altura de otros clásicos como “The Adventues of Baron Munchausen” o “12 Monkeys”, sí nos habla de un director que está listo para reencontrar la grandeza en la década por venir. Parnassus es la clásica lucha entre dos conceptos encontrados (tema preferido de Gilliam) la imaginación contra oscuridad. Parnassus es una especie de mago con un show itinerante que permite al público conocer un mundo mágico creado a partir de sus propios deseos. Sin embargo, Parnassus tiene un secreto, un pacto hecho con el demonio. Gilliam finalmente se deja seducir por las ventajas de la computadora para potencializar su muy particular visión artística.

Chamaco
Dir. Miguel Necoechea

He visto cientos de películas malas en diferentes festivales, lo que nunca había visto es que el público en la sala se lo dijera en su cara al director; así sucedió con Chamaco y su público quien no tuvo reparo en decirle al director: “tu película está bien mala”. La ópera prima de Miguel Necoechea está situada en una ciudad de México caótica e inverosímil donde Abner Torres vive en el peor de los mundos, madre ausente, padre golpeador, hermana (la guapísima Dany Perea) prostituta. Abner por su parte sueña con volverse boxeador, pero no tiene el dinero suficiente para entrenar. A la par se encuentran el doctor Frank (¡Martin Sheen himself!), un médico estadounidense residente en México, y su hijo –un boxeador en declive- quienes ayudarán a Abner para que cumpla sus sueños. Puerilmente dirigida, con un guión de telenovela, mala música y pésima edición, lo único notable de Chamaco es la participación de Martin Sheen (¿cómo lo convencieron de participar en esta cosa?, ¿ya no le alcanzaba para pagar su renta o qué?), y el trabajo de Dany Perea que a pesar de interpretar al cliché de una prostituta, al menos lo hace con dignidad. Lo peor que haya yo visto en este y muchos festivales.

Alamar
Dir. Pedro González-Rubio

La muy criticada –y tan de moda- técnica de utilizar “no actores” en el cine nacional al parecer sigue rindiendo frutos, a pesar de las críticas. Alamar, la ópera prima de Pedro González Rubio, hizo el uno-dos ganando no sólo la competencia sino además el tan preciado Premio del Público. El amor puro entre un padre y su hijo, quienes inevitablemente vivirán una separación conmovió no solo a los jueces sino al público asistente a las salas. “Ninguno de nosotros sabe nada de cine, no es que seamos actores o algo que se le parezca, nosotros hacemos cosas de ecoturismo en lancha y fue así como conocí a Pedro y le surgió la idea de la película”, comentó Jorge, protagonista de Alamar. No obstante el éxito, no se ve cercana su exhibición de manera comercial por lo que habrá que esperar a que el prestigio de los festivales le sume valor como par que una distribuidora se anime a proyectarla.

Norteado
Dir. Rigoberto Perezcano

El boca a boca dentro del festival perfilaba a Norteado como la favorita para llevarse todos los premios. Otra película sobre la migración pero que, dicen, tenía un enfoque diferente. Al final Alamar se llevó todo, pero nos queda la duda de si Norteado es en realidad tan buena como nos contaron. Habrá que esperar a la exhibición comercial.

Reinventando el género.
District 9 (Sector 9)
Dir. Neill Blomkamp

Toda película de ciencia ficción debería de encerrar en el fondo una crítica a la propia condición humana. Desgraciadamente el cine de este vasto género ha perdido la brújula, ¿o cuándo fue la última vez que vieron una película de ciencia ficción que no se regodeara en sus efectos especiales? Afortunadamente un director (curiosamente oriundo del lugar donde está situada la acción de la película, Johannesburgo, Sudáfrica) llamado Neill Blomkamp, y la visión de un productor llamado Peter Jackson le dan al género de la ciencia ficción una muy necesaria bocanada de aire fresco. Bienvenidos al District 9.

Los alienígenas finalmente hacen contacto y llegan a la tierra. Eso lo hemos visto miles de veces en el cine. Nuestra megalomanía nos ha hecho pensar que, si existiera vida extraterrestre, serían ellos los interesados en venir a visitarnos. ¡Claro!, ¿a quien no le interesaría conocer a los todopoderosos seres humanos? En District 9 los alienígenas no llegan a conquistarnos, al contrario, no le interesamos al universo. Los aliens de esta película llegan a Johannesburgo (no a New York como el cliché lo indica) por una falla mecánica en su nave, no les interesa conocernos, no les interesa estudiarnos, se trata simplemente de un gran error.

Los humanos actúan al principio como tal, enviando ayuda a estos seres que se vuelven refugiados. Después, al fin y al cabo humanos, los confinamos en un pedazo de tierra que se vuelve un basurero, los segregamos, nos burlamos de ellos, comercializamos con ellos, los estudiamos nosotros a ellos. ¿El motivo?, por supuesto, el dinero. Los alienígenas traen consigo armas, muy poderosas, pero sólo pueden ser utilizadas por ellos; se trata al parecer de una especie de tecnología genética que hace que las armas sólo respondan al contacto extraterrestre. Si se lograra encontrar una forma de operar estas armas estaríamos ante un negocio multimillonario. Somos humanos, nunca dejamos ir una buena oportunidad de hacer negocio, ¿no es así?

Pero ese no es el único problema en District 9. La gente de alrededor ya no quiere que esos sucios alienígenas estén tan cerca de los humanos. Por ello el gobierno ha enviado a varios burócratas a entregarles un aviso de desahucio y así poder legalmente trasladarlos a un nuevo campo de concentración.

Filmada cual si fuera un documental, con cámara al hombro, material “de archivo” y testimonios con entrevistas de los involucrados, District 9 es, antes que otra cosa, una brutal crítica a la raza humana, su soberbia, su avaricia, su brutalidad y crueldad hacia el que es diferente. La referencia al apartheid africano resulta obvia, pero la cinta no se limita a simplemente a hacer analogías: es directa al retratar a una raza humana que poco hace por ostentar dicho carácter de “humano”. ¿Se puede ser humano con una raza alienígena?

Haciendo gala de un poderoso diseño visual (los alienígenas aunque sabemos que están hechos por computadora se mezclan a la perfección con el ambiente haciendo su presencia no sólo creíble sino espectacular) y de un casting provisto de un puñado de desconocidos que no obstante hacen perfectamente su trabajo, destacando por supuesto la actuación de Sharlto Cople como el voluntarioso e ingenuo burócrata encargado de la operación de desalojo del Sector 9.

District 9 es casi una anomalía en el cine de ciencia ficción. Una cinta que no sólo revitaliza al género, prácticamente lo reinventa, haciéndolo tan brutal y perturbador como pudiera serlo cualquier documental sobre segregación, xenofobia, o racismo. En todo caso, District 9 es particularmente efectiva en mostrar a la raza humana como un verdadero asco; después de esta cinta, pocos argumentos nos quedan para desmentirlo.

El placer de verles la cara.
Brothers Bloom (Estafa de Amor)
Dir. Rian Johnson

Todas las películas sobre estafas deben de cumplir, más o menos, con los mismos elementos: personajes con un ingenio y carisma desbordados, una estafa interesante y casi imposible, y la sensación de duda del espectador sobre si lo que se ve en pantalla es real o estamos siendo también parte del engaño. Aunque apuesta sólo a entretener, Brothers Bloom lo logra por vías bastante interesantes.

Stephen y Bloom son dos hermanos que desde pequeños descubrieron su habilidad para el engaño. Con un lápiz y un papel, diseñaban todo tipo de estafas para hacerse de dinero de una manera, si no fácil, si ingeniosa. Volvieron de la estafa su modo de vida y así, llega el momento en que Bloom (Adrien Brody) ya no quiere seguir timando gente, se niega a ser un personaje que sigue un plan escrito en una hoja de papel. Su hermano Stephen (Marc Ruffalo) se las ingenia para que Bloom se involucre en el último plan. Un timo que involucra a una chica (Rachel Weisz) millonaria y aburrida a quien la posibilidad de ser una estafadora le parece emocionante. El peligro de este plan es que Bloom no cometa el error de enamorarse de la víctima.

Interesante es también el uso de la música, que se convierte en el metrónomo que dicta las acciones de la cinta, y el muy curioso uso de la acción que sucede atrás de los personajes, que es justo donde surgen algunas de las situaciones más graciosas. La cinta cumple con el objetivo de engañarnos: por algún momento creemos saber el desenlace, para después desengañarnos, para después volver a dudar e incluso nos deja expectantes después de créditos por si acaso se revela un final definitivo que cambie de nuevo las ruta de a cinta.

Con una clara influencia del humor y estilo de Wes Anderson, Brothers Bloom es tan correcta que plantea pocos desafíos. Si acaso eso es lo único que le falta para ser genial.

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